Елена Либо. Харьков
Закарпатский областной венгерский театр за последние три года во второй раз попадает в лонг-лист Всеукраинского фестиваля-премии «Гра». Берясь за темы философские и остросоциальные, театр не только ищет ответы на актуальные в обществе вопросы, но и становится пространством перемен и обновлений, пространством, где переосмысливаются и расширяются творческие поиски, обновляется и трансформируется театральный язык, создаются спектакли, которые отвечают запросам и вызовам современности.
В 2019 году коллектив, развивая направление критического театра, в рамках фестиваля-премии представил философский спектакль-притчу «RH» по произведениям Дж. Оруэлла, В. Пелевина и Р. Баха. А в 2021 году внимание экспертов привлек спектакль «Це дитя» в постановке главного режиссера театра Олега Мельничука по одноименной пьесе современного французского режиссера и драматурга Жоэля Помра.
В спектакле поднимаются вопросы взаимоотношений поколений, в которых дети отстаивают право быть самими собой, а взрослые не готовы идти на уступки, чтобы принять те социальные, культурные и моральные ценности, которые исповедуют юные.
Драматург оставляет за закрытыми дверями первопричины поведения героев пьесы. Их драматургические образы он намеренно упрощает, а конфликты подает в «приглушенных» тонах. Акцент в пьесе делается на важных документальных текстах. В основе этих текстов лежат интервью, которые драматург и его актеры из Театральной компании Луи Бруяр (Сompagnie Louis Brouillard) проводили с женщинами, которые живут в бедных районах Нормандии. Собранные, обработанные и прописанные драматургом без интонационно-экспрессивного окраса, почти без ремарок, они предоставили режиссеру свободу трактовки. В интерпретации Олега Мельничука эти тексты становятся острыми, словно лезвие, и превращаются в своеобразную серию «вивисекций», в которых отношения препарируются с разных углов. И чем болезненнее тема, тем интереснее наблюдать не только за тем, что происходит на сцене, но и за тем, как реагирует зритель в зале. И в этом смысле метафоричность жанра «вивисекция», заявленная режиссером, оправдана как никогда. Его «препарирования» лежат не столько в сфере исследований, сколько в сфере появления у зрителя новых смыслов, размышлений, неожиданных решений запутанных жизненных ситуаций.
Акцентируя на важных месседжах, заложенных в лаконичных, жестких и бескомпромиссных диалогах, режиссер вместе с актерами буквально «оживляют» в спектакле схематически очерченных героев Жоэля Помра. Их эмоциональное общение, странное поведение, неприятие друг друга превращаются в настоящее испытание. В каждом из сюжетов рассматриваются различные модели отношений между родителями и детьми, за которыми кроется немало недоразумений. Сложно ответить, почему одна девушка-подросток на последнем месяце беременности остается без дома, а другая, находясь в послеродовой депрессии, «дарит» свое дитя бездетной семье? Почему в отношениях между родителями всегда страдает ребенок, а случайная встреча любящего отца и дочери, его ненавидящей, превращаются в испытание для обоих? Какой страх охватывает мать, на долю которой выпадает процедура опознания тела умершего от передозировки сына? Где та грань, за которой отец-деспот превращается в больного и беспомощного человека, а сын начинает вымещать на нем свои страхи и комплексы? Когда одна мать будет готова «разорвать пуповину» и отпустить своего сына, а другая перестанет требовать от дочери оправданий ее надежд?
У большинства героев этих историй нет опоры и тыла, настолько важных в отношениях. Лишенные поддержки, они бунтуют, выплескивая друг на друга равнодушие, ненависть, гнев или агрессию, отказываясь от повиновения и не желая вести какой-либо диалог.
Героев-детей и подростков в спектакле играют взрослые актеры, играют «по-взрослому», не акцентируя на возрасте, не подражая детскому говору, походке, движениям. Таким приемом режиссер подчеркивает цикличность жизни, потому что большинство конфликтов и комплексов являются следствием именно детских травм. Дети вырастают, становятся родителями и закладывают основы будущих комплексов и фобий уже своих потомков.
Единственное, что объединяет этих героев - это поиск. Находясь в разных возрастных параллелях, словно на разных планетах, они ищут друг в друге чувство недостающей любви, уважения, понимания, тепла, доверия, но, к сожалению, остаются один на один со своими проблемами.
Все десять историй, объединенных цепью противоречий, Олег Мельничук вместе с художницей Иболей Орос монтируют в динамичную среду привокзальной жизни узловой железнодорожной станции. Здесь обитают забавные и странные персонажи. Одни из них ожидают поезд, другие ищут в попутчиках собеседников. Душевные беседы под стук колес проходящих мимо поездов, специфический вокзальный запах выпечки, чипсов и батончиков пополам с дорожным дымом и гарью на фоне диспетчерских объявлений перерастают в настоящие откровения. Синдром "случайного попутчика" - вполне знакомая ситуация, когда, выговорившись перед незнакомцем, каждый из нас будто сбрасывает камень с души и продолжает странствовать по жизни дальше. И все бы ничего, но этим попутчиком становится зритель в театральном зале, который и сам невольно превращается в слушателя и собеседника.
Многофункциональную сценографию для спектакля разработала актриса театра и сценограф Иболя Орос. Художница предложила режиссеру выстроить действительность в двух ракурсах одновременно. На сцене она удачно объединила две среды: суетливую и забавно вокзальную и драматическую условно-бытовую. Вокзальный мир то и дело трансформируется в бытовой без каких-либо перестановок. Просто на глазах зрителя железнодорожная касса становится справочным бюро, буфетом или газетным киоском. Вертушка-проход – превращается в детскую карусель, камера хранения – в вагон электрички с нижними и верхними полками, анатомический стол, школьные окна, портал, в ярком свете которого виднеется выход, и экран, на фоне которого транслируется лайв-стриминг самых эмоциональных моментов спектакля. Но сильнее всего притягивает взгляд место, где расположено железнодорожное полотно. Оно упирается в тупик - насыпь грунта - и трансформируется то в детскую песочницу, то в свежую могилу с крестом. Все герои рассказов со своими тяжелыми чемоданами-ношами будут идти по рельсам и упираться в этот тупик. Именно он становится для них точкой невозврата, сотканной из сгустка эмоций, обид, недоразумений, раздражений, истерик, которые выплескиваются наружу, обнажая действительность.
Напряжение в спектакле сбалансировано за счет легких, ироничных, искрометных мизансцен, героями которых являются постоянные обитатели станции: местные завсегдатаи, буфетчица и электрик, которые по совместительству работают кассиршей и дворником. Именно они наполняют яркими эмоциями зал, а визуальное пространство - жизнью. Они переключают внимание зрителя, готовя его для серии открытых разговоров в следующих эпизодах. Вообще, мастерство актеров вызывает очень сильные эмоции. Актеры своей игрой-исследованием на каждом шагу уменьшают расстояние между героями и зрителем, умело сочетая психологический рисунок с игровой эксцентрикой, присущей восточноевропейской традиции.
Спектакль «Це дитя» Закарпатского областного венгерского театра становится важной историей в контексте современного театрального процесса в Украине. И какой бы печальной ни была эта история, в ней много жизни, юмора, иронии, смыслов, много невысказанного... Потому что жизнь циклична, как и наши страхи, фобии, комплексы, которые передаются по кругу от поколения к поколению. И разорвать этот круг по силам немногим.